diego rivera

(Guanajuato, 1886 - ciudad de México, 1957) Pintor mexicano, considerado uno de los principales muralistas de su país. Estudió por espacio de quince años (1907-1922) en varios países de Europa (en especial, España, Francia e Italia), donde se interesó por el arte de vanguardia y abandonó el academicismo.

Diego Rivera y Frida Kahlo

Las obras de este período reflejan, por un lado, un acusado interés por el cubismo sintético (El guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina, y por otro, una gran admiración por los fresquistas del Quattrocento, (y en especial, por Giotto), lo que motivó su alejamiento de la estética cubista anterior.

Identificado con los ideales revolucionarios de su patria, Rivera volvió desde tierras italianas a México (1922), en un momento en que la revolución parecía consolidada. Junto con David Alfaro Siqueiros se dedicó a estudiar en profundidad el arte maya y azteca, que influirían de forma significativa en su obra posterior. En colaboración con otros destacados artistas mexicanos del momento (como el propio Siqueiros y Orozco), fundó el sindicato de pintores, del que surgiría el movimiento muralista mexicano, de profunda raíz indigenista.

Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para realizar grandes composiciones murales (Palacio de Cortés en Cuernavaca, Palacio Nacional y Palacio de las Bellas Artes de Ciudad de México, Escuela Nacional de Agricultura en Chapingo) en las que Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos. En este sentido, son famosas, por ejemplo, las escenas que evocan la presencia de Hernán Cortés en tierras mexicanas (por ejemplo, la llegada del conquistador a las costas de Veracruz, o su encuentro en Tenochtitlán con el soberano azteca Moctezuma II).

El porteador de flores, de Diego Rivera

Artista comprometido políticamente, Rivera reflejó su adhesión a la causa socialista en sus propias realizaciones murales y fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano. Visitó la Unión Soviética en 1927-28, y, de nuevo en México, se casó con la pintora Frida Kahlo, que había sido su modelo.

En la década de 1930 marchó a Estados Unidos, donde puso su arte al servicio de la exaltación del maquinismo; realizó diversas exposiciones y pintó grandes murales en las ciudades de San Francisco, Detroit -decoración del Instituto de Arte de Detroit (1932)- y Nueva York -Rockefeller Center (1933), que fue rechazada por sus contenidos socialistas.

De 1936 a 1940 Rivera se dedicó especialmente a la pintura de paisajes y retratos. Ensayista y polémico, publicó junto a André Breton un Manifeste pour l'Art Révolutionnaire (1938). Por otro lado, este gran pintor mexicano legó a su país una destacada colección de figuras indígenas que instaló en su casa museo, llamada el Anacahualli.

frida khalo

Coyoacán, México, 1907-id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

Frida Kahlo

A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos Fridas

En su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.

piet mondrian

Pieter Cornelius Mondrian nació en 1872 en Amersfoort, (Holanda).
Su padre alentó mucho la vocación artística de Piet y era maestro de escuela y calvinista activo al que ayuda a pintar escenas históricas de intención moralizante.
Mondrian luego encuentra una seria oposición familiar cuando en 1892, decide no seguir la carrera docente que habría iniciado como profesor de dibujo y comienza a dedicarse exclusivamente a la actividad creadora. Se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Amsterdan y frecuenta los ambientes artísticos de la ciudad; se producen también los contactos con las creencias esotéricas, especialmente con la teosofía, que irían poco a poco apartándole de la fe calvinista.
Comienza a ganarse la vida realizando copias de los cuadros del Rijksmuseum y obras por encargo, durante gran parte de su vida mantendrá la escisión, entre una actividad creadora muy radical, y por lo tanto poco comercial, y estos trabajos de naturaleza alimenticia.
Sus primeras obras personales, fundamentalmente paisajes, están muy influidas por los consejos de su tio Frits Mondrian. Sin embargo hacia 1907, el trabajo del pintor va a experimentar un cambio muy importante, propiciado por el conocimiento de la obra de pintores como Van Gogh, Kees van Dongen o Edvard Munch. El suave colorido de su pintura anterior, trasunto del medio físico que reproduce, es sustituido por una paleta de colores puros aplicados de forma arbitraria. Sus temas tradicionales reciben ahora un tratamiento antinaturalista que aproxima la obra de este momento a la de los expresionistas alemanes.

Por ello le atrajo la solidez conceptual que le ofrecía el luminismo, nombre por el que se conoció el divisionismo en Bélgica y Holanda; entre 1908 y 1910 adopta sus principios coincidiendo con sus estancias en la localidad zelandesa de Domburg, donde el pintor Jan Toorop vivía con una pequeña comunidad de artistas jóvenes. Se trata no obstante, de un episodio breve, pues al finalizar la primera década del siglo, su obra sufre otra transformación, esta vez en clave simbolista, que es inevitable relacionar con el auge de sus preocupaciones esotéricas, ya que en 1909 se inscribe en la Sociedad Teosófica holandesa.
El breve período simbolista concluye en 1911, cuando el descubrimiento de las obras de Picasso y Braque encamina los pasos de Piet hacia el cubismo y le aconseja trasladarse a París, auténtica Meca del arte de la época.

En su estudio de la Rue de Départ, desarrolla una visión personal del cubismo sintético, al tiempo que muestra ya una decidida tendencia a la abstracción.En 1913, su carrera comienza a adquirir cierto reconocimiento, el poeta Guillaume Apollinaire, notable ideólogo de la causa cubista, elogia la originalidad de la obra que Piet presenta en la XXIX edición del Salón de los Independientes y ese mismo año, el pintor establece un acuerdo con la familia de industriales Kröller-Müller por el se compromete a realizar un número de cuadros anuales a cambio de un salario fijo. El estallido de la Primera Guerra Mundial le sorprende en Holanda, adonde habia viajado a causa de la enfermedad de su padre, obligándole a permanecer allí por cuatro años, se ve obligado a distanciarse de París por lo tanto comienza a elaborar las bases de su obra madura; varios personajes influyen en este proceso. Uno es el teósofo y matemático Schoenmaekers, en cuyos escritos pueden encontrarse algunos elementos de la estética de Mondrian, como la primacía de la ortogonalidad o el uso exclusivo de los tres colores primarios. Por otra parte la pintura de formas geométricas abstractas y grandes campos de color del pintor Bart van der Leck será fundamental en su definitivo abandono del cubismo. En esta misma época, Mondrian conoce al que sería compañero de aventura artística durante algunos años, el inquieto artista Theo can Doesburg, que le ogrece la posibilidad de publicar sus ideas en la revista que se propone editar.

DE STIJL

ricardo arjona

Edgar Ricardo Arjona Morales (Jocotenango,Guatemala, 19 de enero de 1964), es un cantautor guatemalteco de música de los géneros Pop y Balada.

Nació en el municipio de Jocotenango, cerca de la Antigua Guatemala (Santiago de los Caballeros); es hijo de Ricardo Arjona Moscoso (fallecido) y Mimi Morales de Arjona.
Allí vivió su infancia e inició sus estudios académicos y musicales. A los 20 años, tuvo la oportunidad de grabar su primer disco bajo el título de Déjame decir que te amo. La grabación no resultó de su agrado, motivándole a viajar a Buenos Aires, donde obtuvo numerosas oportunidades laborales. Por un tiempo dejó el mundo de la música profesional. Orientando su vida la enseñanza, impartió clases en la Escuela Primaria Santa Elena III, zona 18, etapa que le influyó enormemente como meditación activa.
Volvió a la música y lanzó un segundo disco. Su tema musical Jesús, verbo no sustantivo significa su consolidación definitiva como compositor y cantante. El éxito de las ventas que consigue ese álbum lo convierten en el más vendido de la historia en algunos países de Centroamérica. Sin embargo, a nivel internacional todavía era desconocido.
Aunque en un inicio estudió arquitectura e ingeniería, se graduó en la Escuela de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de San Carlos de Guatemala.
En su honor, un salón de esta universidad lleva su nombre y también una calle de su ciudad natal.
Ricardo ha sido un gran deportista con habilidad de sobresalir en varios de los deportes que ha participado. Sin embargo, el baloncesto fue su pasión; jugó en la selección guatemalteca y logró marcar 78 puntos en un solo encuentro, récord de Guatemala que mantuvo por más de 2 años.
Ya consagrado, decidió viajar a Buenos Aires, donde se mantendría durante 1986, 1987 y 1988. Allí se ganaba la vida cantando temas suyos e incluso tangos en la Calle Florida y en algún bar de la calle Suipacha, donde conoce a una prostituta llamada Marta, que luego inspiró su nueva canción homónima editada en su disco "poquita ropa". Todo aquello fue, como él dice, "para poder poner los pies sobre la tierra nuevamente", ya que la fama lo había elevado tanto que el compositor se había "ido".
En 1988, Ricardo Arjona representó a su país en el Festival OTI, que tuvo lugar en Argentina. Ricardo Arjona participó con la canción "Con una estrella en el vientre". A su regreso a Guatemala, grabó esta canción en un disco de 45 rpm, en el que incluyó también la canción "Aquí en El Salvador". Diez años más tarde de aquella participación en el Festival OTI, editó el disco Sin daños a terceros.
Entre 1989 y 1990 compuso canciones que serían interpretadas por otros artistas. De la mano del productor Marcos Flores, Ricardo Arjona escribió algunos temas para el álbum Energía es amor del grupo mexicano Microchips, entre las que destacan "Por eso te quiero", "A la luz de la luna", "A la hora del recreo", entre otras.
Durante los años 1992 y 1993, Ricardo Arjona financia un nuevo disco que sería el que lo llevaría a la fama: Animal Nocturno.
Así, de a poco, fue progresando con discos como Historias, Si el norte fuera el sur y Sin daños a terceros, que lo llevaron a alcanzar su actual fama internacional; recientemente se publicó su disco "Poquita ropa", que recuerda mucho a sus inicios.
En la ciudad de Buenos Aires (Argentina), conoció a Leslie Torres, con quien tuvo dos hijos: Adrián y Ricardo. Posteriormente, en el año 2005, se separaron.
En una entrevista el cantautor Guatemalteco dijo "Yo no me ocupo en tener una biografía, mi vida está plasmada en mis canciones"
En una de sus composiciones, del año 1993, incluyó su famosa frase "...y es tanta mi fe que, aunque no tengo jardín, ya compré una podadora".

grupo camila

Camila es un trío mexicano de música pop, formado en el año 2005 por Mario Domm, el líder, productor y compositor, Pablo Hurtado, el guitarrista y Samuel Parra "Samo", el vocalista.
La banda se formó en el 2005, en la ciudad de Torreón, en el estado de Coahuila. Camila nace con el propósito de llevar su mensaje de amor a todo tipo de público, sin limitarse por las modas o exigencias que determina el mercado. Contando con la participacion y el impulso de Ariel 'El bebe' Gimenez, apodado asi por Christian Castro desde sus inicios en Ciudad de Mexico, y que luego de su radicacion en la Republica Argentina, se pierdan sus pasos y apariciones publicas, confirmando los integrantes de 'Camila', que nunca han perdido relacion con este magnifico inspirador romantico, nacido un 13 de Abril. Antes de que se formara la banda, Mario Domm ya escribia grandes éxitos cantados por otros artistas como Alejandra Guzmán,^[2] Reik, Kalimba, Paulina Rubio, Thalía y Yuridiay era productor.Samo comenzo cantando en el coro de la iglesia y tambien participó en 1995 en el exitoso Festival Valores Juveniles, trabajó con artistas diversos como Yuri, Alan, María del Sol, Cristian Castro, Eugenia León y Reyli.Mario Domm hizo un disco como solista antes de su primer discon con pablo y samo pero no paso nada. Mario Domm conocio a samo en una grabacion de los coros de Reyli y fue entonces cuando comenzaron a formar su grupo musical. Su grupo iba a ser titulado con el nombre de "ALTAVOZ" e inclusive salieron al aire en la radio con ese nombre, pero recibieron una llamada que decia que el nombre de "ALTAVOZ" ya estaba ocupado y les dieron como opcion "CAMILA" que significa "cerca de dios" y desde ese entonces permanecieron con ese nombre. Mario Domm, Samo y pablo hicieron realidad el sueño de "CAMILA".
Su primer disco, "Todo cambió", fue lanzado en abril de 2006. El primer éxito del grupo fue la canción Coleccionista de Canciones, que tocaba como abertura de la telenovela mexicana Las dos caras de Ana de Televisa en 2006.^[3] En ese mismo año, la banda fue nominada en los Premios Lo Nuestro como mejor banda nueva.

Camila también consiguió dos nominaciones en los Premios MTV Latinoamérica de 2007, correspondientes a las categorías Mejor Artista Nuevo. Fueron ganadores en 2 categorías para los premios Billboard Latino en 2008 en las categorías de álbum pop del año dueto o grupo, y Tema pop airplay del año dueto o grupo.
La banda tuvo gran éxito en México, Estados Unidos y América Latina. Su álbum Todo cambió continuó ocupando los primeros lugares de ventas por meses en varios países.
En febrero de 2010, lanzaron su segundo disco, titulado "Dejarte de amar", bien recibido por los críticos y por el público. Gracias a este disco, Camila consiguió 4 nominaciones para el Grammy Latino de 2010, de las cuales ganó 3.

grupo intocable

Intocable es un grupo musical de marcado estilo norteño, nacido a principios de los 90's de la mano de Ricardo Muñoz y René Martínez, dos jóvenes originarios de Zapata, Texas. Su estilo pegajoso y letras llegadoras, le han ganado la aceptación de gran cantidad de fans alrededor de México y Estados Unidos. Su lista de records incluye varios discos de Oro y Platino, numerosos premios, entre ellos Grammy, Latin Grammy, Lunas del Auditorio, Premio Lo Nuestro, Oye, Furia Musical, Texano Music Awards y otros más. Desde la grabación de su primer disco "Fuego eterno", la agrupación ha vendido más de 10 millones de copias.

Todo empezó en Zapata, Texas, cuando un par de jóvenes –Ricky Muñoz y René Martínez– soñaban con el éxito día a día, con sus ensayos… Años después, aquel lugar se convertiría en un estudio de grabación donde el pasado y el presente se unieron en esta ocasión, pues ahí se afinaron los últimos detalles de la grabación del álbum número 13 de su discografía. ‘ “Nosotros crecimos escuchando la gran música de Los Relámpagos y habíamos tenido la inquietud de hacerles este tributo; así que pensamos que éste era el álbum indicado para hacerlo por todo lo que significa”, comentó René, baterista de Intocable. Esta nueva producción incluye conocidas canciones de grandes compositores como Cornelio Reyna, Felipe Valdés Leal, Narciso Monares y Rubén Darío Salcedo.
Con la llegada de cada nueva producción, Intocable no busca competir con la anterior y así lo explican: “Cada vez que realizamos un disco, nunca tenemos la intención de superar el anterior, sino disfrutar y vivir el momento, gozar la música que estamos haciendo de corazón”. Este nuevo material es el resumen de 15 años de carrera artística siempre dedicados a la música norteña. En este lapso llevan el registro de 13 producciones y un sinfín de éxitos radiales y de ventas. Esto sin mencionar las multitudinarias presentaciones en grandes bailes y escenarios de gran importancia.
Hablar de Intocable inevitablemente remonta a la gente a pensar en éxitos como “Estás que te pelas”, “Eres mi droga”, “Enséñame a olvidarte”, “Sueña“, “Eso duele”, “El poder de tus manos”, “Coqueta”, “Y todo para qué”, “Aire”, ”Fuerte no soy”, “Dame un besito”, “Bastó” “Tu adiós no mata”, "Llévame en tu viaje" y "Hay ojitos" entre muchas otras, que los han llevado a formar parte de ese selecto grupo que ha conseguido hacer el crossover en las estaciones de radio.
En un breve recuento, se puede mencionar como un meritorio éxito las millonarias ventas que sus discos han logrado, y que los han hecho merecedores de múltiples reconocimientos, Discos de Oro y Platino, el Grammy, el Grammy Latino, Premio Lo Nuestro, Premios Juventud, las Lunas, Furia Musical, Premios Oye, el Texano Music Award y los Premios de la Gente.
La música de Intocable ha llegado tanto al cine a través de su éxito "Déjate amar", tema central del largometraje American Visa (2005), como a la pantalla chica a través del tema que dió título a la telenovela “Contra viento y marea" (2005).
Además, demostrando el gran cariño que su fiel público les tiene, Intocable cuenta con récord de entradas en escenarios como:

• El Auditorio Nacional del Distrito Federal - Con 6 presentaciones consecutivas vendidas (género grupero).
• Estadio Jalisco de Guadalajara - Con más de 55 mil personas.
• Zócalo de la Ciudad de México - Con más de 140 mil asistentes.
• Astrodome de Houston, Texas - Con más de 65 mil personas.
• Reliant Stadium de Houston, Texas - Con más de 74 mil espectadores.
• Arena Monterrey - Con localidades agotadas para tres presentaciones consecutivas.
• Palenque de la Expo Guadalupe, Nuevo León - Con tres fechas consecutivas.

“Cada vez crece más nuestra familia que son los fans. Nos da mucho gusto ver al público contento, cantando nuestras canciones. Esa es nuestra gasolina, nuestro motor”, declaran Ricky y René fundadores de la agrupación.

la ultima cena

La Última Cena (en italiano: Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497,^{[1] [2]} se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán (Italia).^[3] La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo.

En principio se trataba de un encargo modesto. En Santa María, el convento de los dominicos cercano al palacio, el duque había mandado a erigir una iglesia. En el refectorio de los hermanos, el milanés Montorfano había pintado una crucifixión, en cuya parte inferior Leonardo añadió como donante a Ludovico, a su esposa y a sus dos hijos.^[10] Leonardo colaboró también en la ejecución de los medallones y otros adornos murales con las armas de los españoles , como si quisiera probar primero la destreza de su mano para la gran tarea que se le avecinaba.
Leonardo creó La Última Cena, su mejor obra, la más serena y alejada del mundo temporal, durante esos años característicos por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades.^{[2] [4] [11]} Se cree que en 1494 el duque de Milán Ludovico Sforza, llamado "el Moro" encargó a Leonardo la realización de un fresco para el refectorio de la iglesia dominica de Santa Maria delle Grazie, Milán. Ello explicaría las insignias ducales que hay pintadas en las tres lunetas superiores. Leonardo trabajó en esta obra más deprisa y con mayor continuidad que nunca durante unos tres años.^{[12] [13]} De alguna manera, su naturaleza, que tendía hacia el colosalismo, supo hallar en este cuadro una tarea que lo absorbió por completo, forzando al artista a finalizarla.

los jerogrificos como arte prehispanico

Los jeroglíficos fueron un sistema de escritura inventado por los antiguos egipcios para comunicarse. Fue utilizado desde la época predinástica hasta el siglo IV. Los antiguos egipcios usaron tres tipos básicos de escritura: jeroglífica, hierática y demótica; esta última corresponde al periodo tardío de Egipto.

Se caracteriza por el uso de signos, cuyo significado se conoce gracias al descifrado de los textos contenidos en la Piedra de Rosetta, que fue encontrada en 1799, en la que está grabado un decreto en tres tipos de escritura: jeroglífica, demótica y griega uncial. Conseguir descifrar este documento se lo debemos a los estudios realizados por Thomas Young y, fundamentalmente, a Jean-François Champollion quien logró descifrar el método de su lectura en 1822, 23 años después de ser descubierta la piedra.
Por extensión, también se ha dado el nombre de signo jeroglífico a algunos de los grafemas de la escritura cuneiforme y otras. La razón está en que esos pocos signos no usarían el principio fonético, sino el principio ideográfico de representación de la escritura.

el surrealizmo

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico.

En 1938 tuvo lugar en París la Exposición Internacional del Surrealismo que marcó el apogeo de este movimiento antes de la guerra. Participaron entre otros, Marcel Duchamp, Arp, Dalí, Ernst, Masson, Man Ray, Óscar Domínguez y Meret Oppenheim. La exposición ofreció al público sobre todo una excelente muestra de lo que el surrealismo había producido en la fabricación de objetos.
Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los surrealistas se dispersan, algunos de ellos (Breton, Ernst, Masson) abandonan París y se trasladan a los Estados Unidos, donde siembran el germen para los futuros movimientos americanos de posguerra (expresionismo abstracto y Arte Pop).

El Barroco

Barroco

El Barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la Iglesia católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma Protestante.
Como estilo artístico el barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio d'Ors.
La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de siglo XVIII, es decir, los artistas que plasmaban dicho estilo. Proviene de la palabra portuguesa "barroco" (en español sería "barrueco"), que significa "perla de forma irregular", o "joya falsa". Una palabra antigua similar, "barlocco" o "brillocco", es usada en el dialecto romano con el mismo sentido. También se le llama "barro-coco". Todas ellas significan lo mismo. Otro interpretación lo deriva del sustantivo "Baroco", usado en tono sarcástico y polémico para indicar un modo de razonar artificioso y pedante. En ambos casos el término expresa el concepto de artificio confuso e impuro, de engaño, de capricho de la naturaleza, de extravagancia del pensamiento.
El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII ). Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Wölfflin (1864-1945), quién identificó al Barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte "elaborado".

La Musica

La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).

Cultura y música

Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. Algunas especies animales también son capaces de producir sonidos en forma organizada; lo que define a la música de los hombres, pues, no es tanto el ser una combinación "correcta" (o "armoniosa" o "bella") de sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y -sobre todo- en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un contexto social determinado podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra sociedad.

La Mona Lisa

¿Qué misterio se oculta detrás de la sonrisa de la Mona Lisa?  La ciencia y el arte se asociaron para encontrar una  contundente respuesta:”es un efecto de Ilusión óptica”, pero, ¿Qué es una ilusión óptica?: Una ilusión óptica es un efecto sobre nuestro sentido de la vista, caracterizado por la percepción visual de imágenes que son falsas o erróneas. Falsas si no existe realmente lo que nuestros ojos ven,  o erróneas si el cerebro interpreta equivocadamente la información visual. Éstas ilusiones ópticas pueden ser de carácter fisiológico (como es el encandilamiento tras ver una luz potente) o cognitivo (por ejemplo una malinterpretación de la dimensión relativa de dos objetos debido a la perspectiva.). Entre las ilusiones ópticas más comunes tenemos, los espejismos, la ilusión de la cuadrícula de Hermann,los estereogramas y los hologramas .Pintores como: Escher, Salvador Dalí, Giuseppe Arcimboldo y Marcel Duchamp han aprovechado las ilusiones ópticas, aplicando la perspectiva en sus obras.

Bellas Artes Mexico

Bellas Artes describe una forma de arte desarrollada principalmente por la estética que por su utilidad práctica. Históricamente las principales son: la arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura, la danza y la música. Sin embargo, en algunas instituciones educativas y en museos de bellas artes se le asocia exclusivamente a las artes visuales. En este sentido, la palabra arte también es muchas veces sinónimo de bellas artes, al ser empleado en términos como "galería de arte".

Las artes son un fenómeno social, un medio de comunicación, una necesidad del ser humano de expresarse y comunicarse mediante formas, colores, sonidos y movimientos, el arte es un producto o acto creativo. Los griegos antiguos dividían las artes en superiores y menores, siendo las artes superiores aquellas que permitían gozar las obras por medio de los sentidos superiores,(vista y oído), con los que no hace falta entrar en contacto físico con el objeto observado. Las Bellas Artes eran seis: arquitectura, escultura, pintura, música, declamación y danza. La declamación incluye la poesía, y con la música se incluye el teatro. Esa es la razón por la que el cine es llamado a menudo hoy, el séptimo Arte.
Las artes menores, según ello, serían las que impresionan a los sentidos menores, (gusto, olfato y tacto), con los que es necesario entrar en contacto con el objeto: gastronomía, perfumería y algo que podríamos llamar cariciería, nombre que si bien suena un poco raro, se manifestaría en la sensación experimentada por toda persona en el momento de tocar un objeto con una superficie especialmente agradable.

Grupo Pesado

El Grupo Pesado es una agrupación de música regional mexicana, denominada también música grupera o norteña (por haber surgido en el norte de México). Es considerado como uno de los grupos que inició una nueva generación de este tipo de música, dándole una frescura que ha tenido bastante aceptación en México y Estados Unidos y abriendo las puertas a nuevos grupos del mismo movimiento. El éxito que ha tenido les ha merecido el "eslogan" de: "El Grupo Que Vale Lo Que Pesa.....!!!

http://www.pesado.mx/

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez 

(Sevilla, hacia el 5 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660)

Conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal..

Paul Cezanne

     Paul Cezanne
(19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906)

Fue un pintor francés pos impresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió.

Una moderna Olimpia, obra de Cézanne presentada en la primera muestra impresionista

 

Los jugadores de naipes (1892)

Grupo La Firma

La Firma

La Firma es una agrupación musical originaria de la ciudad de Monterrey, Nuevo León, México surgida en el año de 1996, cuando Juan Cárdenas y Adrián González aliaron su talento junto al joven compositor y cantante Luis "Louie" Padilla junto con otros 4 jóvenes para crear un concepto muy novedoso al combinar los ritmos de jazz, pop, latin, entre otros, con el inconfundible sabor grupero para así obtener un grupo totalmente original: La Firma



Henri Émile Benoît Matisse (gran pintor frances)

Henri Émile Benoît Matisse

(31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954)

Fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX.

Principales obras de Matisse

La habitacion roja

•Las obras de Matisse son de las pinturas más cotizadas hoy en día, alcanzando cifras record en los remates que sucedieron en la ciudad de Nueva York en el año 2007.

•Las más famosas obras de Matisse son:

Mujer leyendo - 1894
Place des Lices - 1904
La raya verde (Madame Matisse) – 1905
Lujo, calma y voluptuosidad – 1905
La alegría de vivir - 1906
La habitación roja – 1908
LA danza - 1910
La música - 1911
Café Árabe - 1913
La Odalisca - 1926
Naturaleza muerta con mesón verde – 1928